sábado, 30 de diciembre de 2017

Wendy Carlos, una chica difícil


La verdad es que Wendy Carlos se merece que se haga una reseña por cada uno de sus discos.
Pero lo interesante de las reseñas musicales, a mi modo de ver, es que contengan ejemplos musicales.
Sin embargo en el caso de Wendy es algo casi imposible. Creo que debido a cuestiones de copyright es prácticamente imposible encontrar videos en Youtube para usar con ese objetivo (bah, en ningún lado). A lo largo de todo este tiempo que estuve investigando sobre ella he encontrado interesantes ejemplos que al poco tiempo han sido borrados por presiones de alguna compañía. Como músico estoy completamente de acuerdo en proteger el trabajo y los derechos de los artistas. Pero creo que muchos tienen conceptos un poco equivocados sobre lo que es piratería. Confunden con piratería y violación de derechos un simple video subido por un admirador.
Justamente a través de este tipo de videos he conocido a muchos artistas y después he comprado sus obras. No hablo de conciertos completos sino de extractos que sirvan como ejemplo. Son publicidad gratuita hecha por admiradores. No son piratería.

Parece que ninguno de esos artistas que permiten que las empresas discográficas realicen una caza de brujas entienden que un video de un fan puede servirles de propaganda gratis, lo mismo que una reseña como las que hacemos en este Blog. Sinceramente les digo que la época en que gastaba dinero en originales me parece un tiempo que no deseo que vuelva. Simplemente pienso en todo el dinero que gasté en originales y creo que mejor lo hubiera gastado en cosas para mi familia. Porque si el resultado de mis compras hubiera terminado en los bolsillos de los artistas me parecería más que justo. Pero la realidad es que la mayor parte de ese dinero termina en las arcas de los sellos discográficos.
Pero en este caso en especial, luego de leer un extenso reportaje aparecido en una revista Playboy del año 1979 he llegado a entender que parte de su manera de pensar sobre este tema está relacionada con el hecho de haber pasado de ser la persona que vemos en la foto de abajo a la que vemos en la foto del encabezado.
       

lunes, 30 de octubre de 2017

¿Por qué tiene tanto éxito la derecha hoy en día?


No acostumbro escribir sobre lo que algunos definen como temas políticos, aunque siempre mis reseñas, aún las musicales, han tenido un fondo en las necesidades humanas. La necesidad de crear música y de disfrutar de esa música me llevó a escribir en este Blog. Sin embargo en las notas sobre Desobediencia Civil hay una aproximación a lo que se llama política. La Política surgió de la necesidad humana de organizarse y es la base de nuestra Sociedad. Es lo que ha dado poder al verdadero Pueblo, al organizarlo y hacerlo crecer a través de la educación y el trabajo. En su principio se trató de que cada persona fuera un ente independiente pero intercomunicado con el resto, compartiendo intereses basados en su cultura. Y creo que es por eso que ahora la tendencia anti política esta siendo alimentada dentro de ese mismo pueblo, como un veneno que lo debilita y atonta, para que no tenga fuerzas para subsistir como pueblo, sino que sea un rebaño sumiso, listo para el matadero.
Cuando se proscribe a un artista como Bruno Arias en su propia tierra, en la provincia de Jujuy, por opinar diferente que el partido gobernante, creo que todos los Argentinos estamos en problemas.



Lo peor es que este tipo de persecución a los artistas que piensan diferente que el poder establecido, aunque es generada por trolls, crece y es llevada a cabo por gente de su misma clase social, como hemos comentado en otras reseñas.



jueves, 12 de octubre de 2017

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (4ª Parte) El Sintetizador Moog


En esta reseña sobre el sintetizador Moog comienzo por lo que había pensado decirte al final. Y hay una buena razón para ello. Así que voy a explicarte que estás viendo un tipo de fuente que nunca he usado en este Blog. Tal vez no la hayas visto en casi ningún lado. Se llama Moogdula. Fue creada por Angeles Moreno (que tuvo la gentileza de enviármela), y usada en la película Moog, de 2004, realizada por Hans Fjellestad, que verás al final de la reseña. (Claro que para leer esta nota con esa letra debieras tenerla instalada. Si no es así no pasa nada, la verás en tipografía predeterminada).
¿Qué por qué he usado esta extraña letra? Pues porque para mi no lo es en absoluto. No solamente no me parece extraña sino muy hermosa y pertinente al tema tratado. Porque justamente responde al tipo de mente que compartían los creadores del Sintetizador Moog, Robert Moog y Herbert Deutsch (en la foto del encabezado). El tipo de pensamiento que originó este Logo como símbolo inconfundible.


Si estás aquí para leer sobre el Sintetizador Moog seguramente compartes algo de esa mentalidad innovadora y te agradará leerla en este formato.
He tenido que dejar toneladas de información afuera de la reseña (con la esperanza de utilizarla en otro momento), pero espero que lo publicado aquí sea de tu agrado.
Para muchos de nosotros esta historia comenzó con un video como este de la BBC, del programa Tomorrow's World.



domingo, 1 de octubre de 2017

Memories Of Machines - Warm Winter (2011)



Hace ya varias semanas que vengo escuchando este disco de Memories of Machines. Decidí esperar para reseñarlo porque quería evitar que el efecto inicial influenciara en los comentarios.
Sucedió que estaba investigando las numerosísimas colaboraciones de Robert Fripp en discos de otros artistas y me topé con este. Comienzo a escucharlo sin profundizar en la participación de los diferentes intérpretes intervinientes ni en los datos técnicos. Eso viene inevitablemente después, claro, pero es la mejor manera de escuchar un disco nuevo: sin prejuicios.
Al escucharlo encuentro que Fripp intervino solamente en el tema "Lost And Found In The Digital World" (8), en el que comparte autoría. Nunca deja de ser interesante una intervención de Robert en un disco. Por otro lado el simple hecho de que él intervenga en una obra de otro músico le da un creciente valor. Nunca hace nada sin un propósito valorable.
Así que después de analizar toda la obra (es una manera de decir que disfruté de escucharla incontables veces), no pude menos que buscar otros discos de este dúo. Memories Of Machines es un buen exponente de la Nueva Ola del Neo Progresivo. Pero lamentablemente por otro lado este es el único disco que grabaron como dúo Tim Bowness y Giancarlo Erra. Fue un trabajo que les llevó más de cuatro años completar (Abril de 2006 - Diciembre de 2010), siendo su lanzamiento en Abril de 2011. Lo hicieron en paralelo con sus otros trabajos en sus respectivas bandas, No-Man y Henry Fool (Bowness) y Nosound (Erra). Tienen una amplia discografía, principalmente como integrantes de esas bandas, además de muchas colaboraciones en otros proyectos de excelentes músicos. Se considera que el dúo no está disuelto, acorde al espíritu colaborativo que impera entre esta generación de grandes músicos.

Me han gustado mucho los conceptos de Tim Bowness sobre King Crimson"No importa en qué tipo de banda he estado, a través de los años King Crimson ha sido una de las pocas constantes amadas de la mayoría de los músicos con los que he trabajado. Los intérpretes que he conocido sea que su formación sea Pop, Punk, Prog, Metal, Folk, Jazz y Clásica han expresado un amor duradero a por lo menos un período de la música de la banda. King Crimson siempre ha mantenido una estética particular en su música, pero los arreglos, la producción y los line-ups instrumentales han variado dramáticamente. Me encantan todos los períodos de la música de la banda, pero los dos que más me atraen son los primeros cuatro álbumes y la trilogía de los años 80. Los primeros cuatro son gloriosamente expansivos y poseen una fragilidad melódica y una intensidad de gruñido que estableció la plantilla para gran parte de lo que siguió. Los contrastes estilísticos de la encarnación de los años 80 son menos pronunciados (el sonido de la banda es puro y notablemente coherente), pero todavía están allí, ya que su enfoque aerodinámico consigue abarcar Minimalismo, Funk, Art Rock, Afro-Beat, No-Wave , Gamelan y mucho, mucho más"

Y para ser justos, antes de seguir con la reseña podemos escuchar el tema en el que interviene Robert Fripp (en una versión no oficial)

Lost and Found in the Digital World 


miércoles, 20 de septiembre de 2017

La noticia falsa sobre la creación de santiagomaldonado.com


Copio esta nota porque me parece de actualidad, esclarecedora y en defensa propia: debemos defendernos de la información falsa, sea esta difundida por gente malintencionada y por simplemente idiotas.

Leí esta noticia con cierta inquietud.
Me llamó la atención que quien la publicó dice no ser informático, pero a la vez trata de explicar cosas que un “no informático” difícilmente puede entender y menos explicar.
Analizando su sitio percibo claramente una tendencia que lo demuestra no neutral.
Investigando más encuentro una respuesta del sitio dedicado a Santiago Maldonado a esta afirmación dada en la página a la que corresponde la captura (imagen del encabezado).
Doy el link al final de la nota y no la copio como habitualmente hago porque realmente después de analizarla veo que es inexacta, pero si querés leerla es tu derecho. Lo que pasa es que sencillamente no promoveré mentiras.
No es solamente humo: es humo tóxico, provocado para envenenar mentes débiles.
En más de veinte años en la Red he visto campañas, pero nunca tan sucias como las que estoy viendo en estos últimos años en Argentina. No es que no existan campañas sucias en el resto del mundo, pero lo que me preocupa es que se lleven a cabo en mi patria.
Así es que busqué respuestas no solamente basadas en mi experiencia y encontré análisis serios sobre este tema.
Primero la respuesta de la página en cuestión: 



miércoles, 30 de agosto de 2017

King Crimson en Argentina en 2017


Cada vez que nos juntamos en grupo, sea de familiares o de amigos, y con una variedad muy amplia de edades, nos hacemos esta pregunta: ¿Vendrá King Crimson a la Argentina en 2017? Para nosotros es parte de nuestra vida, en mayor o menor grado. Pero parte sin duda alguna.
Entonces nos ponemos a recordar que los disfrutamos en 1994, tal vez no lo suficiente. Nunca nos imaginamos que pasarían 23 años sin volver. Cierto es que sus integrantes han venido individualmente. 
Fripp con agrupaciones de guitarristas y para dictar cursos de Guitar Craft.


Los otros con agrupaciones como Adrian Belew Power Trio ...


Tony Levin con su hermano Pete 



sábado, 19 de agosto de 2017

¿Cómo y por qué seguir escribiendo reseñas musicales en un Blog?



Es indudable que la situación económica imperante en la República Argentina nos obliga a trabajar el doble para ganar lo mismo que hace dos años  y poder comprar solamente la cuarta parte de los bienes que podíamos comprar con esa cantidad de dinero.
Es por eso que mis reseñas se han vuelto esporádicas. El trabajar para vivir se está convirtiendo en vivir para trabajar.
No se puede compartir apropiadamente en una reseña la alegría que te provoca la música cuando tenés que resolver problemas de facturas para pagar o simplemente buscar cómo acceder a alimentos de la misma calidad que antes. Y eso, día tras día.
Afortunadamente encontré esta interesante nota. Me identifico en un  80% con las ideas expresadas en ella y por eso la comparto, ya que me estimula a no rendirme en esta tarea de comunicarnos.


¿Por qué escribir reseñas musicales en un Blog?


Eso fue exactamente los que me pregunté hace casi un año, cuando un amigo me lo propuso. Hacía mucho tiempo que no sabía nada de él y lo encontré de la manera más inesperada: como autor de reseñas.
Me gusta leer reseñas musicales porque  a veces aprendo cosas sobre mis artistas preferidos que me muestran que no los conocía tan bien como creía que los conocía. Muchas veces esos conocimientos nuevos lograron que los aprecie mucho más. Pero en algunas ocasiones también aprendí con dolor que algunos de esos artistas excepcionales eran personas despreciables. Realmente no puedo separar la música de los músicos que la crean o interpretan. Siempre la personalidad del artista se mezcla con la música que interpreta dando como resultado lo que escuchamos. Y nos demos cuenta o no, esa personalidad del artista nos influencia para bien o para mal. Es por eso que como se explica en el video documental de la BBC  “Imagine Being a Concert Pianist” ya desde el punto de ser un estudiante avanzado en una escuela como Juilliard  la personalidad del artista hace que la misma pieza interpretada por diferentes personas suene diferente, aunque tengan el mismo maestro y sean tocadas en el mismo piano.
(La idea está expresada a partir del código de tiempo 19:20)



jueves, 20 de julio de 2017

El Chapman Stick: buscando la ejecución perfecta


El Chapman Stick es un instrumento de cuerdas creado en el siglo XX que está adquiriendo popularidad no solamente entre los guitarristas y bajistas, sino en el gusto del público también, que es el complemento necesario para que el músico se sienta estimulado a adquirir el instrumento y perfeccionar su técnica. Es muy usado en el progresivo ecléctico, siendo tal vez su intérprete principal Tony Levin, de King Crimson.




Es muy ilustrativa la nota de Lisset MontesMichael Bernier es de los pocos músicos expertos en el Chapman Stick, que aparece en Noisey, de Mexico. 
De ella transcribo algunas ideas, a continuación del video, en el que vemos a Michael Bernier junto a Richie DeCarlo
(Michael Bernier fue integrante de Stick Men, junto a Tony Levin y Pat Mastelotto).


lunes, 12 de junio de 2017

El Acusticazo (2017)


El 8 de Junio se realizó El Acusticazo, en el Teatro Gran Rex. Para los que vivimos El Acusticazo de 1972 esta nueva presentación significa muchísimo. Mucha nostalgia, pero también mucha esperanza.
Transcribo la nota sobre este evento publicada en Página 12, escrita por Cristian Vitale, titulada “Una noche de emociones desenchufadas”.

Pero antes te invito a que veas el video presentación que se publicó en el canal LITTO NEBBIA PAGINA OFICIAL




Litto Nebbia, León Gieco, Edelmiro Molinari, David Lebón, Raúl Porchetto y Nito Mestre, entre otros, recrearon el mítico festival realizado en 1972. También participaron músicos de generaciones posteriores, como Nekro y Fernando Ruiz Díaz. Al final, todos cantaron “La balsa”.
 “No hay Acusticazo sin ‘Guilmar`”, cuenta León Gieco que le acababa de decir Lito Vitale, en bambalinas. ¿Qué es “Guilmar”? Muchos dicen que la mejor canción de aquel concierto que terminó grabado –y publicado– gracias a la ocurrencia en acto de Robertone, legendario sonidista del rock argentino. Y si lo pedís, y anda el rey León por ahí, lo tenés. Hacia el final del set acústico que le tocó hacer, el santafesino recreó “Algo de paz” con –casi– todos los músicos que habían participado del festival realizado en 1972, y entre ellos el autor e intérprete de aquella linda canción: Miguel Krochic. También lo rodeaban Edelmiro Molinari, David Lebón, Raúl Porchetto, Carlos Daniel Fregtman, Eugenio Pérez, del dúo folk Miguel y Eugenio (que con el ingreso de Diego y Pablo, se transformaría en Aucán), y Litto Nebbia desde atrás, para que se escuche bien fuerte aquella frase concebida por Raúl, que bien puede tender un puente entre ambos climas de época. “Te pide luz mi mente, te pide luz mi día, te pido por favor, en estos malos días”, tronó en medio de un Gran Rex colmado, a cuarenta y cinco años de aquel mojón en el largo devenir del rock de acá.





miércoles, 7 de junio de 2017

Rock Nacional o Nacional Rock



Tal vez nuestro primer contacto con la música fue la radio. Me gustaba escuchar LRA1, Radio Nacional (República Argentina), en mi adolescencia. En esa época no existían las FM Nacional Rock ni Clásica ni la Folklórica. Solamente una Radio Nacional en AM que transmitía un poco de todo, siendo mi preferencia la música clásica. Con el tiempo cada provincia tuvo su AM propia y luego también FM (en algunos casos varias por provincia).  Hace un tiempo se reestructuraron las programaciones. Así el 30 de diciembre de 2015 se anuncia que “El gobierno de Mauricio Macri resolvió suspender la grilla de una de las FM públicas (Nacional Rock) y pasar música a partir del 1 de enero. Dejan sin efecto 27 contratos.”  (1) Lee también aquí
Luego de dos meses sin programación se anuncia la nueva grilla y al nuevo director de Nacional Rock.: Bobby Flores. 
  


Podrás ver la grilla de programación, por si encontrás algo de tu gusto, aquí.

Es curioso que usen como argumento que los artistas deben estar al frente de los programas y nombren como director a un disc jockey de gran fama y poco conocimiento musical. Tal vez parezca que el tipo sabe mucho porque habla de todo, todo el tiempo. Pues no. Son cosas diferentes. No me parecía apropiado  hablar anticipadamente basado en prejuicios sin tener la oportunidad de escuchar esta nueva programación. Decidí darles tiempo a estos que “están aprendiendo sobre la marcha”. Pero llevamos más de un año de esta nueva experiencia y me encantaría que los asiduos oyentes me comentaran si la programación mejoró o no.

Estos son los sueldos de algunas de las personas que conducen programas en Nacional Rock.




jueves, 1 de junio de 2017

Escucha Mozart tocado en SU PROPIO piano


A Fines de Mayo leo en el diario La Nación una nota sobre el piano original de Mozart. No acostumbro transcribir notas de ese pasquín. Pero en este caso me llamó la atención lo breve que era la nota sobre un tema tan importante.
Hace un par de días leo en un Blog amigo esta nota que transcribo y encuentro una notable diferencia. La diferencia entre la manera de comunicar las cosas relacionadas con el Arte y la Cultura que tiene un diario centenario manejado por gorilas y la que tienen los que verdaderamente aman el Arte y la Cultura. Los primeros simplemente plagian un par de datos sin citar la fuente, para llenar un espacio de "cultura" en una publicación hecha con fines de lucro. Los segundos investigan, traducen y enriquecen un tema con el único interés de difundir noticias.

¿Quienes se portan como verdaderos periodistas aquí?

La nota de la página de Classic FM tiene un título por demás llamativo: “Escucha Mozart tocado en SU PROPIO piano”.
Fue publicada el 13 de febrero de 2017 y comunica importantes novedades en materia de Música Antigua (sí, constantemente tenemos novedades en materia de Música Antigua):
"Robert Levin ha sido anunciado hoy como el primer Hogwood Fellow de la Academy of Ancient Music (la Academia de Música Antigua), así que lo filmamos tocando el propio instrumento de Mozart. 
Este es realmente el piano de Mozart. ¿No es hermoso?


Este fortepiano, de alrededor de 1782, fue utilizado por Mozart para la composición y presentaciones a partir de 1785 hasta su muerte en 1791.
El piano fue hecho originalmente por Anton Walter, uno de los más famosos fabricantes de pianos vieneses de los tiempos de Mozart. Es dos octavas más corto que un piano moderno, y es mucho más ligero y más pequeño que los pianos modernos, pesando solamente 85kg. También es mucho más pequeño que un piano moderno - con sólo 2,23 m de largo.
Actualmente se encuentra en Salzburgo, donde el pianista y musicólogo Robert Levin lo está usando para grabar las sonatas de piano de Mozart.
Esa es la música de Mozart en el piano de Mozart, reiteramos."

Agrego que el piano fue restaurado hace más de 20 años y fue usado antes por Alexander Melnikov para dar un concierto en 2012 en Viena


Volviendo a Robert Levin...
"Lo filmamos tocando el Allegretto de la Sonata en B flat major (Si bemol mayor), K. 570, de Mozart . Míralo aquí:"




jueves, 25 de mayo de 2017

Gentle Giant - Gentle Giant (1970)


Con Gentle Giant me pasa algo extraño.
En mi adolescencia escuchaba sus temas en la radio, y me gustaban. Pero no me atrapaban como pasó con Rick Wakeman, ELP o Pink Floyd. Así que nunca compré ni uno de sus discos. Tampoco lo hizo ni uno de mis amigos. Así que nunca profundicé mi conocimiento sobre su música.
Con el paso del tiempo se convirtieron en un recuerdo perdido en una nebulosa en la que habitan los creadores del rock progresivo. Cada tanto escuchaba hablar de Gentle Giant, pero realmente sin pasión. Eran simples crónicas de esas que la describen como una gran banda, justamente algo casi mitológico, pero los relatores parece que están leyendo un argumento escrito por otros, sin ningún sentimiento (de hecho la mayoría de los que hacen programas musicales no pasan del hecho de ser meros presentadores/locutores). Entonces pasó algo que me llamó la atención sobre Gentle Giant. Leyendo una publicación de un amigo me encuentro con que alguien osó comparar al tecladista de esta banda (Kerry Minnear), con Rick Wakeman, como si de un dios hablara. Mi amigo le contestó que iba a investigar sobre el tecladista a ver si estaba a la altura. Y entonces se me despertó la curiosidad, y decidí hacer mi propia investigación Bueno, hace unos diez días adquirí “Giant on the Box”,  un DVD del año 2005, que compila varios conciertos. Creo que solamente viendo grabaciones de actuaciones se puede apreciar la verdadera calidad de un músico. Al día siguiente adquirí el resto de la discografía, para continuar mi investigación. Por ahora no llego a ninguna conclusión, salvo que eran músicos de calidad, multiinstrumentistas (tocaban una variedad de más de treinta instrumentos). En cuanto a Kerry Minnear no voy a hacer ninguna comparación con Rick Wakeman. Me parece que las comparaciones son odiosas. Solamente diré que Rick sigue sobre los escenarios, y al igual que Minnear es un tipo religioso. Pero en el caso de este último la música la ejecuta en el ámbito privado y en la Iglesia, además de hacer negocios con el material de la banda, por pertenecerle parte de los derechos de autor. He encontrado algo de material sobre su vida actual, que traduciré en un par de semanas.


Pero mientras tanto, para ir conociéndolos, quiero dejarles una nota que me pareció muy bien escrita (aunque no pongo las manos en el fuego por el material de referencia), tomada de la página HISTORIAS DE ROCK - Biografias Y Discografias De Musica Rock

martes, 9 de mayo de 2017

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (3ª Parte) Delia Derbyshire



Cuatro trabajadores de efectos de sonido no identificados haciendo su trabajo para un programa de estudio, marzo de 1927 Esto fue 31 años antes de la creación del famoso  BBC Radiophonic Workshop.
Es muy injusto que aquellos a los que beneficiaste con tu trabajo no recuerden tu nombre. Peor es que otra persona se lleve todo el crédito siendo que la mayor parte del trabajo sea tuyo. Tal es lo que le pasó a Delia Derbyshire durante muchos años de trabajo en este taller. Tardaron mucho en darle crédito por la creación de la música para la serie Dr. Who, además de otros trabajos que al día de hoy no se le reconocieron públicamente.
Por eso aunque la mencionamos en al artículo anterior de esta serie decidimos que lo menos que se merece es tener un artículo completo dedicado a ella.

En una época que la que no había sintetizadores de sonido ni computadoras personales una de las técnicas fundamentales que usaban para la elaboración de sonidos era la manipulación de cintas análogas. En esta técnica sobresalió Delia Derbyshire.
Pot au feu es un tema de su disco "Blue Veils and Golden Sands". Fue editado también por la BBC en un disco llamado "BBC Radiophonic Music".






Pot au Feu fue descrita por Peter Marsh como "3 minutos y 13 segundos de jazz angular robótico repleto de incidentes."
Delia la describió como "una martillante, fantásticamente rítmica pista , lo suficientemente inquietante para tener a un monstruo de la velocidad corriendo a la cocina para agarrar los cuchillos para pan."
Además Robin Carmody añade: "Son tres minutos y diecinueve segundos de paranoia y delirio; virtualmente una pista de rave de alrededor del año 1991", (hecha en 1968). Con respecto a este último comentario es notable que muchos de los sonidos creados por Delia  son usados en la música electrónica popular actual. 
Ficha técnica 


miércoles, 3 de mayo de 2017

Emerson, Lake & Palmer - Trilogy (1972) 2 Cds - DVD-A 5.1 (2015)



Luego del éxito obtenido por la reedición super lujosa de Brain Salad Surgery, la banda Emerson, Lake y Palmer complació a los fans con lo que más quieren al reeditar a comienzos de Mayo de 2015 su álbum Trilogy, de 1972, en versión deluxe. Son 2 CDs y 1 DVD-A.

Jakko Jakszyk, de King Crimson, ha vuelto a tomar los controles para las nuevas mezclas hi-res 5.1 y estéreo, que también incluye una versión inédita de From The Beginning. El digipak incluye un folleto de 16 páginas con nuevas notas y fotos.

Trilogy ofrece un magnífico viaje desde el folk acústico y el jazz futurista, hasta sus raíces progresivas clásicas. Considerado por muchos como su mejor trabajo, es un placer obtener este bien considerado álbum de rock progresivo remixado en sonido envolvente y estéreo de alta resolución.

Selecciona los formatos MLP 24bit / 96kHz 5.1 Lossless o DTS 24bit / 96kHz 5.1, y toma asiento para un paseo increíble. Los tambores de Carl Palmer se precipitan a tu alrededor, mientras que el Órgano Hammond , el Piano, y por supuesto el Moog de Keith Emerson penetran desde todos los rincones de la habitación. La voz de Greg Lake se coloca en el centro y su Bajo emana a través de todos los canales delanteros que llenan la parte inferior en el subwoofer.
Una de sus canciones más conocidas, "From the Beginning" flota desde los canales delanteros hacia atrás con una reverberación cálida que proporciona una profundidad agradable a esta pieza de guitarra acústica. Mientras que la energía primaria está firmemente en la parte delantera, los canales traseros ofrecen una adición envolvente agradable con reflexiones de órgano secundario y ambiente.
"Hoedown" es una experiencia de sonido envolvente magistral que demuestra las habilidades de mezcla multicanal de Jakko Jakszyk. Las diferentes partes de la piezas golpeando al oyente desde todas las direcciones, sin taparse entre ellas, dejando mucho espacio para que cada parte sea escuchada fácilmente. Esto sigue siendo evidente a lo largo del resto del álbum, que cuenta con un sonido limpio y dinámico.





jueves, 13 de abril de 2017

No te digo adiós... te digo hasta luego


Sí, sí, ya lo sé. Habrás visto esta imagen mil veces en estos días.
Mirala bien, porque la seguirás viendo millones de veces más mientras dure tu vida.
Que esa dulce imagen de niña no opaque la imagen de mujer fuerte y luchadora que muchos conocimos. 
Muchos afortunadamente más que otros. Pero no es quien llega primero el que se lleva el premio, sino el que sigue corriendo hasta el final. Y el premio no es para uno solo. 
Es para todos los que sepan apreciarlo. Porque el premio es tomar algo de ese Espíritu de Micaela e incorporarlo a nuestro propio espíritu.
De eso en esencia hablamos cuando la conocí a ella y a sus amigos, de manera casi fortuita, en el verano de 2016.
Teníamos un tema en común: el vivir nuestra juventud en épocas revueltas para la Patria.
En mi juventud los que decían amar a la Patria secuestraban gente ocultando sus rostros con capuchas. Un tiempo inimaginable para estos jóvenes si no se les contaba en detalle, porque entraron a la adolescencia en un tiempo feliz, de igualdad de oportunidades para educarse, bien alimentados y con salud. Pero no tomaron la vía cómoda de la mayoría que como pollos irracionales abren su boca para ser engordados, sin pensar de dónde viene realmente su nutriente, sino muy por el contrario, eligieron compartir de corazón no solamente sus cosas sino también su tiempo, que es lo más valioso que un ser humano puede tener. Mientras otros pierden el tiempo ellos lo ganan compartiéndolo. 
Esta es la Micaela que conocí y estos son los compañeros que la ayudaron a crecer, y a quienes ella ayudó a crecer también.




martes, 4 de abril de 2017

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (2ª Parte) BBC Radiophonic Workshop



Continuamos buscando a la Madre de la Música Electrónica.
En la nota anterior conocimos los primeros instrumentos electrónicos y a mujeres que eran sus ejecutantes. Sin embargo no siempre la música electrónica se ejecuta en vivo a través de una interface tipo teclado de piano, cuerdas, percusión o instrumento aerófono.
Gran parte del sonido electrónico ha sido creado en laboratorios de sonido. Uno de los más famosos fue BBC Radiophonic Workshop (Taller Radiofónico de la BBC), una de las unidades de efectos de sonido de la British Broadcasting Corporation. Fue creada en 1958 para producir efectos de sonido y nueva música para la radio. Se cerró en marzo de 1998, aunque gran parte de su trabajo tradicional ya había sido subcontratado en 1995.
Creaban allí estos nuevos sonidos compositores, ingenieros de sonido y artistas dramáticos que estaban inspirados en la música concreta de Pierre Shaeffer. Pero no eran todos hombres: entre estos creadores se destacaron varias mujeres y vale la pena conocerlas.

Una de ellas fue Daphne Oram, que junto a Desmond Briscoe (reconocido compositor e ingeniero de sonido) fue cofundadora del Radiophonic Wokshop y su primera directora.
Daphne Oram (1925-2003) es una de las figuras centrales en el desarrollo de música electrónica experimental británica. Estudió en el Sherborne School For Girls. Desde temprana edad Oram aprendió piano, órgano y composición musical. En 1942 le ofrecieron una plaza en el Royal College of Music; sin embargo, rechazó esta propuesta y aceptó una posición en la BBC como ingeniera de estudio y también encargada del balance tonal de la música.




En esta foto que fue tomada en 1957, un año antes de la creación formal de la BBC Radiophonic Workshop, la vemos junto a Fredrick Bradnum, escritor del innovador "Private Dreams and Public Nightmares", un "poema radiofónico" experimental sobre el uso creativo de los efectos.
Sin embargo después que Daphne dejó la BBC (en 1959) su investigación, incluyendo Oramics, continuó en secreto relativo. En la foto del encabezado la vemos desarrollando su proyecto, del que hablaremos a continuación.


jueves, 30 de marzo de 2017

King Crimson - Larks' Tongues in Aspic (1973) (40th Anniversary Series, CD+DVD-A, 2012)


Muchas veces me he preguntado por qué de la amplia discrografía de King Crimson mi preferido es Larks’ Tongues in Aspic. Realmente la respuesta es sencilla... no es que considere que sea su mejor disco. 
Es por el simple hecho que fue el primero que compré. La primer versión que obtuve fue en vinilo, y no era uno de sus últimos, pero fue el primero que conocí. Siempre son las primeras impresiones las que nos quedan impregnadas más profundamente. Aunque a través de los años comprendamos mejor las cosas, sean buenas o malas, son inolvidables. Cuando fuiste un adolescente que lo único que tenías para escuchar vinilos era un Winco porque en esa época reinaba el cassette podían pasarte muchas cosas, algunas no muy buenas. No estás consciente de la alta fidelidad, ni tan siquiera de la estereofonía. Así que vas a lo un amigo que tenía el equipo de tus sueños (hoy te das cuenta que no era tal, pero era un Audinac, que para muchos era el sumun) y entre los impresionantes bajos de Wetton notás en los pianísimos un horrible ruido de fritura.
Claro que tratás de pasarlo por alto, ignorarlo, y disfrutar de la música en toda su plenitud, pero al final te queda la inquietud y la bronca que te hayan vendido un disco usado, cosa totalmente habitual en una disquería del centro. Que si hubiera sido en una de barrio podrías haber logrado que escuchen tu reclamo, pero en una gran disquería no importás.
Entonces un genio de la radio dice que para sacarle el ruido de fritura nada mejor que ponerle aceite. Claro, hoy sabés que no se puede sacar el ruido porque es simplemente deterioro, pero la inocencia adolescente, inexperta cae en esa y cosas peores. Ni que decirte que tomás el consejo que te dan los “expertos” de un  programa de radio como palabra santa, y te pasa como con todo lo que hace rato proviene de los medios: terminás comiendo carne podrida. Pero fue una gran enseñanza para un adolescente: que te avives bien temprano en la vida que los medios de comunicación te engañan y los que “trabajan” en ellos no merecen el puesto que ocupan.
El disco quedó como recuerdo, Ninguna limpieza pudo sacarle la mugre que le dejó el aceite, que la púa levantaba graciosamente en su tránsito por el surco, al tratar de escucharlo en el Winco. Y naturalmente olvidarse de llevarlo a lo de tu amigo para escucharlo de vuelta, para no quedar como un tonto que lo único que iba a lograr era arruinarle la púa del “equipo de tus/sus sueños.”
Hasta aquí la anécdota juvenil y ahora la reseña de esta edición. 
Mientras la leemos podemos escuchar Larks' Tongues in Aspic Part I en la versión que nos ofrece DGM Live en Youtube.




domingo, 19 de marzo de 2017

Hang Playing Hedge Monkeys - Vesica Piscis (2008)

Presentamos en esta reseña no solo un disco y a los músicos que lo grabaron sino también a su instrumento musical, el Hang. Este instrumento de percusión fue lanzado al mercado en el año 2000 por PANArt, de Suiza.
“Hang Playing Hedge Monkeys” son Daniel Waples y Danny Cudd. Se conocieron en el año 2006 en un festival inglés de música y al instante hicieron amistad y empezaron a tocar juntos el djembé. Poco después, durante la conversación se dieron cuenta que a ambos se los había invitado a Suiza para recoger sus Hangs de PanArt. En ese momento el Hang era muy desconocido y la única manera de comprarlo era viajando hasta la fábrica. Ese invierno llegaron a la India con sus flamantes instrumentos y comenzaron a actuar bajo el nombre “Hang Playing Hedge Monkeys” en Goa. Vesica Piscis fue el único álbum grabado por este dúo. En este demostraron un estilo que continuaría en los años siguientes. El álbum cuenta con composiciones de Daniel y Danny. También tiene gran producción e interpretaciones de su amigo ruso Vaissily Dubov. La combinación de hermosa instrumentación y el ritmo del Hang resulta en un relajante e inspirador viaje. 


Lista de temas
       
1. North East South West 15:17
2. Ant Sandwich 03:34
3. Hang Chill 07:13
4. Sometime 05:21
5. This is Bindi 06:21
6. Come Inside 07:18
7. HangHangDuduk 13:44

Todos estos temas pueden ser escuchados gratuítamente, descargados en formato digital con el sistema de donación o también comprar el CD físico AQUÍ





El siguiente fue el primer video que vi de Daniel Waples y la conexión con el sonido del Hang fue inmediata, arrasadora y mágica. 
Aquí interpreta una versión más dinámica de Ant Sandwich que la que encontramos en el disco.




miércoles, 15 de marzo de 2017

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (1ª Parte)

  
La música electrónica tal como la conocen muchos jóvenes hoy es muy diferente de lo que históricamente se conoce como música electrónica. La mayoría de las personas acepta con naturalidad este tipo de sonidos, sin preguntarse cómo se logran, simplemente conformándose con el el efecto que les producen. Bueno, esa es la triste actitud de muchas personas de cualquier edad con cualquier tipo de música.

Existen diferencias entre los instrumentos musicales electrónicos y los que usan la electrónica como parte integrante importante pero no exclusiva de su naturaleza.

Un instrumento electrónico es un instrumento musical que produce sonidos usando la electrónica (energía eléctrica). El mismo se distingue de un instrumento tradicional eléctricamente amplificado, que es parecido a su versión acústica, pero que requiere que la amplificación se realice por medios electrónicos. Los instrumentos mecánico-eléctricos o electromecánicos son los instrumentos musicales que mezclan elementos mecánicos y eléctricos para generar el sonido, como por ejemplo, el Órgano Hammond, Melotrón, el telarmonio (en la imagen del encabezado), la guitarra, el bajo, el violín... eléctricos, etc.(1).
Según esta definición en una fiesta electrónica no todos los instrumentos usados son electrónicos.
Los instrumentos electrófonos son la última familia en integrarse a la clasificación Sachs-Hornbostel, cerca de 1920.

Muchos creen que el Sintetizador Moog fue el primer instrumento electrónico. Pero antes del Moog hubo invenciones instrumentales no tan conocidas. Por ejemplo el Theremin y las Ondas Martenot.

Hubo muchos desarrolladores de instrumentos electrónicos y músicos participantes en esos proyectos, que son considerados Padres de la Música Electrónica. Y de ellos me ocuparé en el futuro. Y como afirma el dicho popular que "Padres hay muchos, pero Madre hay una sola" nuestro tema será conocer a la Madre de la Música Electrónica. En esta serie de artículos comentaremos sobre diferentes instrumentos electrónicos y la intervención de las mujeres en los proyectos de desarrollo y difusión.
Muchos ejecutan el Theremin hoy pero la más famosa fue Clara Rockmore. Aquí la escuchamos interpretando "El cisne", de Camille Saint-Saëns